Las Huecas (Barcelona, 2016), es un colectivo teatral formado por cuatro actrices y una técnica. No tienen límites, no piensan demasiado en por qué hacen las cosas y navegan por varias identidades artísticas. Banda de punk, dibujantes de fanzines, investigadoras etnógrafas… y, si hace falta, cavadoras de tumbas.
LAS HUECAS
2021 / 06 / 15
¿Cómo os definís?
Núria Coromines (LAS HUECAS): A nivel teatral tenemos un funcionamiento de compañía, en el sentido de que las decisiones se toman colectivamente, pero también es cierto que una compañía es muy jerárquica. Por lo tanto, seríamos más un colectivo.
«Hemos hecho un par de fanzines, grabado unas canciones, pero todo esto, al final, son juegos, identidades posibles»
También habláis de banda de punk, dibujantes de fanzines, investigadoras etnógrafas…
NC: (Risas) Esto es muy teatrero. Hemos hecho un par de fanzines, grabado unas canciones, pero todo esto, al final, son juegos, identidades posibles. Nos gusta esta idea de hacer algo de teatro y jugar con nuestras identidades artísticas.
Júlia Barbany (LAS HUECAS): Sí, siempre que estamos haciendo un proceso creativo para alguna pieza siempre surgen como derivas y si nos motivamos las llevamos a cabo. No estamos cerradas cuando nos han pedido cosas de plantear otros formatos que no sean una pieza teatral como tal.
¿Hay algún objetivo sobre lo que deseáis comunicar?
NC: Nunca nos hemos planteado qué es lo que queremos conseguir con este tipo de derivas artísticas.
«Somos críticas en la medida en que somos críticas con lo que vivimo»
Pero en lo que habéis hecho hasta ahora hay crítica, una oda al desencanto…
JB: La crítica sale porque somos críticas con lo que vivimos y sale de manera súper natural, pero cuando estamos buscando la dramaturgia de la pieza nunca nos decimos «intentemos que esta escena tire más para un lado para que el público pueda leer que nosotros nos posicionamos de una manera u otra.» Nosotros somos unas personas que no nos atreveríamos a hacer un statement tan claro.
NC: Es lo que dice Júlia, somos críticas en la medida en que somos críticas con lo que vivimos. Es decir, la crítica es consecuencia de nuestro posicionamiento en el mundo. Como personas que estamos juntas en este proyecto y que nos posicionamos respecto a la cultura, la historia y respecto a las cosas que nos pasan. Por eso hacemos este teatro. No nos sentamos y pensamos «vamos a elaborar cuál es la crítica que queremos transmitir», sino que el proceso es más directo en la medida en que somos quienes somos.
El proyecto «Aquellas que no deben morir» coincidió con el boom de la pandemia, ¿cómo influyó?
JB: Fue curioso porque no es que nosotros lo planteáramos a raíz de lo que estaba pasando, del aumento de muertes por la pandemia del Coronavirus. De hecho, no cambiamos la pieza a raíz de esto, lo que sí cambió fue el público. Venía un público que, por la situación que estábamos viviendo, se había planteado su finitud.
NC: Había mucha escenificación de la muerte, se veían muchas imágenes por televisión de ataúdes en fila en garajes, en espacios muy poco agradables. Y es curioso porque nosotros hicimos la presentación en una nave industrial reconvertida en residencia artística y el suelo era de portland. Así que cuando nosotros en escena dejábamos un ataúd en el suelo, era la misma imagen que se veía por la tele durante la pandemia.
Vuestro proceso creativo da la sensación de ser muy «Do it yourself».
NC: Evidentemente, cada proyecto es distinto. A nivel metodológico si nos centramos en «Aquellas que no deben morir», que es quizás el proyecto más maduro que hemos hecho, hemos trabajado por períodos intensivos de tiempo durante diferentes fases. Por ejemplo, la primera fase fue de convivencia, como unas colonias. Durante tres semanas hicimos experimentos de todo tipo: fuimos a cavar una tumba, hicimos visitas al cementerio, juegos de todo tipo… Al final se trata de encontrar la forma de trabajar cada proyecto teniendo en cuenta lo que nos apetezca.
¿Existe la autocensura en Las Huecas?
JB: Somos muy negadas con la imagen que damos hacia fuera. No pensamos mucho en esto.
NC: No siento que nos hayamos autocensurado nunca.
El tema de que seáis todas mujeres, ¿tiene un objetivo o es casualidad?
JB: No tenemos un objetivo fijado antes de empezar las cosas.
NC: Se trata de un tema de afinidades artísticas, pero si Júlia hubiera sido un tío pues ningún problema, pero resulta que ella es una mujer. Las afinidades artísticas se encuentran en muchas cosas y pueden ser también en si eres hombre o mujer.
JB: Sí, quizás esta afinidad la tienes porque tienes la misma mirada por el hecho de ser mujer también.
NC: Exacto, hay muchas cosas que generan una mirada artística pero no sólo ser socializada como mujer o estar conforme con tu identidad como mujer, pero no negaremos que somos todas bastante feministas. Que somos mujeres es un hecho y que formamos parte de un mundo concreto es un hecho, pero las pajas mentales que se haga el público cuando te viene a ver también constituyen la escena y nosotros con esto jugamos porque sabemos que nuestra identidad será juzgada de una u otra manera, pero siempre será juzgada. Que seamos cinco mujeres siempre tendrá importancia.
«Nos ponemos mucho en riesgo en escena, no nos hemos clavado cuchillos pero emocionalmente son momentos muy potentes»
¿Habéis tenido ataques de pánico escénico?
JB: Nos ponemos mucho en riesgo en escena, no nos hemos clavado cuchillos pero emocionalmente son momentos muy potentes. Yo soy muy cagada… Yo si no hubiera estado acompañada por ellas no hubiera podido hacer algunas cosas que he hecho en escena.
¿Cómo veis la escena en Barcelona?
JB: Pasan más cosas que las que la gente piensa. No somos las únicas que estamos haciendo un trabajo de ese tipo. Hay un contexto muy pequeño pero existe, y además cada vez más los grandes teatros están incorporando creaciones de este tipo. No es algo tan underground.
NC: No somos las únicas que estamos haciendo un trabajo más experimental o cuyas teatralidades no son tan convencionales. Hay mucha gente haciendo cosas y en cualquier caso lo que no hay son las condiciones materiales para llevarlas a cabo. Si no hay pasta y los espacios no programan lo suficiente, parece que no esté pasando nada, pero sí que está pasando. El reto es conseguir continuidad y subsistencia porque estamos en un momento muy jodido. La precariedad es súper bestia.
¿Cuáles son sus referentes?
NC: Angélica Liddell, pero también los Venga Monjas.
JB: Miguel Noguera, Judith Martín, Pobre chavala, El conde de Torrefiel, Las largatijas echadas al sol, Cris Blanco.
«Cuando algo nos hace reír mucho a todas, sabemos que sí, que debemos hacerlo»
Siempre tiráis de ironía y sentido del humor.
JB: ¡Por supuesto! Mucho sentido de humor, y muy crinch.
¿Os lo pasáis de puta madre trabajando juntas, verdad?
NC: ¡Uf, por supuesto! Cuando algo nos hace reír mucho a todas, sabemos que sí, que debemos hacerlo.
JB: El humor es súper compartido y para nosotras es muy importante llevarlo a escena. Ya forma parte de nuestra estética escénica y de interpretación.
¿Cómo lleváis las críticas?
NC: Yo creo que hacemos bien de sudar bastante de las críticas. A ver, a todo el mundo le gusta tener buenas críticas porque le envías una captura de pantalla a tu madre, pero las críticas que están hechas con la punta del nardo, que te dedican dos palabras y que no hay ninguna explicación, paso, porque me parecen malas críticas de per se. Las críticas en las que la peña se ha dedicado a trabajar un poco respecto a lo que estabas haciendo, se valoran, independientemente de si son críticas buenas o malas.
Peli, serie, libro y disco.
JB: Yo ahora estoy viendo The Office y me estoy tronchando… ¡Es buenísima!
NC: ¡Yo también Júlia! Yo tiro para atrás para ver el timing de la broma. Peli, «Tú, yo y todos los demás» de Miranda Jolie. Disco «Hostal hostil» de Mendra, que es el grupo de nuestra técnica. Y libro, el de Charles Manson, «Helter Skelter».
ENTREVISTA: MARTA LUQUE
NOVIEMBRE 2021
MAUS®
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